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J’ai eu une occasion rare de peindre à la lumière une maison faite de bouteilles. Voici comment j’en ai profité au maximum. Mieux encore, vous pouvez utiliser ces techniques de light painting pour tout.
Qu’est-ce que le light painting ?
Le light painting est un terme souvent utilisé de manière vague pour décrire tout ajout de lumière portative à une photographie de nuit. En réalité, le light painting est une technique qui utilise une source de lumière portable pour éclairer un sujet lors d’une photo à longue exposition. Vous peignez littéralement la scène avec de la lumière. Les photographes de nuit utilisent cette technique depuis de nombreuses décennies.
Ici, j’ai eu l’opportunité de photographier une maison composée de plus de 50 000 bouteilles dans un environnement sécurisé. J’en ai profité au maximum.
Puis-je le faire briller de l’intérieur ?
Mon premier réflexe a été de faire briller la lumière de l’intérieur de la bouteille. Je voulais que les bouteilles s’illuminent de l’intérieur. J’avais été à l’intérieur de certaines maisons et structures de bouteilles dans la campagne andine de l’Équateur, et j’aimais la façon dont le soleil faisait briller les bouteilles.
Malheureusement, je ne pouvais pas le faire pour deux raisons. La première est que les murs intérieurs étaient enduits. Aucune lumière ne brillerait à travers ces bouteilles. Et la seconde, c’est que je n’avais pas accès à l’intérieur de la maison.
Les ombres créent de la profondeur, des détails et de l’intérêt
Cependant, il y avait beaucoup d’occasions de créer des ombres. Cela peut être utilisé avec presque n’importe quel sujet. Voici comment j’ai procédé pour éclairer le porche de cette magnifique maison.
Trois étapes pour éclairer le porche de la maison de la bouteille
Première étape : illuminer le mur du fond
La maison de la bouteille a beaucoup de texture étonnante car elle est faite de bouteilles. J’ai effleuré une lumière blanche et chaude des ProtoMachines contre le mur, en la faisant simplement ricocher sur la surface. En faisant cela, j’ai pu capter beaucoup de détails sur la surface inégale. J’ai gardé le mur du fond légèrement plus sombre que le reste de la maison pour ajouter de la profondeur et garder l’accent sur l’avant du porche.
Ci-dessus : un exemple de plus loin pour vous donner une idée de ce à quoi ressemble la maison. La fenêtre principale de la pièce avant est à gauche, juste hors cadre.
Deuxième étape : créer les ombres à partir de la main courante du porche
À droite de la caméra se trouve une rampe de porche en bois. Parce que le porche est en bois et prend beaucoup de place dans la composition, j’ai pensé qu’il pourrait être amusant de créer de l’ombre à partir de la main courante. Je me suis tenu à droite de la main courante et j’ai tenu la lumière ProtoMachines immobile pendant un court instant afin que les lignes soient fortes et bien définies.
Troisième étape : la lumière bleue de l’intérieur de la maison
La maison semblait encore un peu vide. J’ai décidé de faire briller une lumière bleue depuis l’intérieur de la pièce. Je l’ai fait en marchant vers la fenêtre avant et en faisant briller une lumière bleue portable à travers cela. Cela éclairait toute la pièce, sortant par la fenêtre latérale et la fenêtre de la porte à l’arrière.
Vous êtes le directeur
Lorsque vous allumez de la peinture pendant la photographie de nuit, vous prenez des décisions créatives. Vous décidez quoi éclairer et quoi garder dans l’ombre. Vous décidez quel angle, quel type de texture, quel type de sensation et quel type de couleurs vous voulez dans votre photo. C’est la forme de photographie la plus créative que je connaisse. Vous vous promenez dans la scène, en déterminant les angles, les couleurs et la luminosité. Chaque « coup de pinceau de lumière » construit la photo.
Si vous faites cela, vous faites partie d’un très petit nombre de photographes qui essaient. Beaucoup moins s’y tenir. Espérons que des articles comme celui-ci vous inspirent à continuer. Je ne peux pas exagérer à quel point c’est addictif, amusant et gratifiant.
Comment certaines des techniques – y compris les techniques créant des ombres, de la profondeur et des détails – peuvent-elles aider à peindre vos sujets avec la lumière ? Comment pourriez-vous appliquer cela aux automobiles, aux cactus, aux arbres, aux montagnes ou aux personnes abandonnés ? Qu’en est-il des autres sujets qui ne sont pas de la photographie de nuit ?
Steve Ball est un photographe de paysage et de nature basé dans le nord-ouest de l’Angleterre, idéalement situé entre les trois parcs nationaux de Snowdonia, le Peak District et le Lake District. Son lien émotionnel avec la nature continue de croître, apportant avec lui une plus grande appréciation de la terre, de la faune, de la côte et de l’environnement. Son objectif principal est de créer des images qui illustrent son amour pour le monde naturel et qui racontent son histoire de ce qu’il voit et de ce qu’il ressent. Sa philosophie est de prendre des photos qui lui plaisent avant tout, si elles intéressent ou procurent du plaisir aux autres, c’est un bonus bienvenu. Plus récemment, son attention s’est déplacée d’une perspective plus large vers une perspective plus intime, créant des images caractérisées par la texture, les motifs et la forme.
mckinnellphotography.co.uk
On a beaucoup écrit sur les bienfaits de la photographie de paysage et de nature sur notre santé et notre bien-être (lire des articles sur la santé mentale et la dépression). Un nombre croissant de photographes professionnels bien connus ont constamment proposé cette vision et ont activement promu leur offre commerciale et le contenu de leur atelier en partant du principe que le temps passé seul dans la nature avec notre appareil photo a des effets positifs sur notre moral, nos niveaux d’anxiété et, à l’extrême. comme antidote à la dépression.
J’ai commencé la photographie ‘sérieuse’ il y a une dizaine d’années et je suis reconnaissant et j’embrasse le soulagement que cela m’a apporté à travers des moments sombres et des périodes de troubles personnels.
En général, je suis d’accord avec ce point de vue, cependant, je dirais qu’il s’agit d’une position trop simpliste à adopter et qu’il y a un contexte plus large qui doit être pris en compte.
En repensant à ma vie jusqu’à présent, je suis malheureusement arrivé à la conclusion que j’ai souffert d’anxiété et de dépression pendant la majeure partie de ma vie et certainement toute ma vie d’adulte. J’ai commencé la photographie ‘sérieuse’ il y a une dizaine d’années et je suis reconnaissant et j’embrasse le soulagement que cela m’a apporté à travers des moments sombres et des périodes de troubles personnels. J’ai eu des moments de pure exaltation dans les montagnes, des périodes de paix et de tranquillité dans les bois et des moments d’immersion inconsciente dans l’intimité d’un environnement côtier.
Ces moments m’ont sans aucun doute aidé à mettre de côté les défis de la vie quotidienne… cependant, et c’est le but de cet article, ces moments dans le temps ne sont que temporaires. Ils représentent une brève libération des problèmes qui nous troublent et qui peuvent prendre en otage nos pensées. Au retour de votre excursion dans la nature, vos soucis n’ont pas comme par magie disparu, ils demeurent et, dans mon cas, sont parfois amplifiés à cause du temps précieux que j’ai passé dans la nature et du contraste qui s’ensuit avec les tumultes de la vie quotidienne.
Le temps réel passé sur le terrain peut également poser des problèmes aux personnes ayant des problèmes de santé mentale. Je suis sûr que nous avons tous vécu des jours où nous nous traînions sans inspiration, luttant pour trouver notre mojo créatif. Pour ceux qui sont troublés et instables, ces occasions peuvent amplifier notre sentiment de malaise et augmenter le sentiment d’isolement du monde. Il devient facile de remettre en question votre capacité à trouver quelque chose d’inspirant et peut finalement dégénérer en un état d’esprit où vous vous interrogez sur la raison d’être d’un photographe. De telles pensées peuvent prendre le dessus et finalement nuire à tous les avantages prouvés d’être avec la caméra.
Pour ceux qui sont troublés et instables, ces occasions peuvent amplifier notre sentiment de malaise et augmenter le sentiment d’isolement du monde. Il devient facile de remettre en question votre capacité à trouver quelque chose d’inspirant et peut finalement dégénérer en un état d’esprit où vous vous interrogez sur la raison d’être d’un photographe.
Pour beaucoup d’entre nous, la plupart de nos pratiques photographiques se font par nous-mêmes, que ce soit du temps sur le terrain ou du temps passé à traiter et imprimer nos images. Je ne sais pas si c’est toujours une bonne chose. De mon point de vue, la solitude et l’isolement sont deux concepts très différents. Bien que ce ne soit pas une vision claire, la solitude peut être un choix, alors que l’isolement est souvent, mais pas nécessairement toujours, un sentiment provoqué par la solitude. Dans mes moments les plus positifs, je choisis la solitude parce que je veux faire l’expérience de la nature par moi-même, accompagné uniquement de mes pensées et de mes sens. Cependant, dans des périodes moins positives, cette solitude peut ressembler davantage à de l’isolement, ce qui peut avoir un impact négatif sur ma santé et mon bien-être. Je sais que la photographie de paysage et de nature est un élément essentiel de ma vie.
J’aime la connexion avec la nature, le temps passé dans les éléments et la pure joie de créer et d’imprimer une image. Les avantages pour moi sont incommensurables et l’emportent largement sur les inconvénients. Cependant, il présente ses défis, comme j’en suis sûr pour les autres, et en tant que tel, la question demeure de savoir comment je peux poursuivre mon travail sans subir l’impact de ce sentiment d’isolement et de désespoir provoqué par le temps passé sur cette quête solitaire.
Les meilleurs objectifs pour la photographie de rue avec Micro Four Thirds
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Je n’avais pas entendu parler des supports en L depuis très longtemps. Étant branché sur le concept et ayant la chance de les utiliser, je me demande maintenant comment j’ai pu m’en passer.
Qu’est-ce qu’un support en L ?
Comme son nom l’indique, il décrit la forme du support. Le support est construit avec une surface de montage Arca Swiss tout le long de l’extérieur de la surface longue et de la surface plus courte. Si votre trépied est équipé d’un système de montage Arca Swiss, vous serez prêt à partir.
Avantage principal d’un support en L
Le principal avantage de l’utilisation d’un support en L est la possibilité de monter votre appareil photo dans une orientation horizontale ou verticale avec un déverrouillage rapide du verrouillage du trépied. Déplacez la caméra dans la nouvelle orientation et verrouillez-la. Très facile! L’ajout de vitesse avec laquelle vous pouvez travailler vos compositions de scène est extrêmement utile sur le terrain dans des situations d’éclairage à changement rapide.
Types de supports en L
Les supports spéciaux sont conçus pour des caméras ou des systèmes de montage spécifiques. Habituellement, les supports spéciaux coûtent un peu plus cher que le support en L universel de base que je partage dans cet article. La principale différence entre les supports spécifiques aux caméras spécialisées est une interface utilisateur plus conviviale. Par exemple, dans les supports en L de Really Right Stuff, le montage du support vous permet d’accéder au compartiment de la batterie. Bien que pratique, je ne change pas assez souvent les piles, donc défaire la plaque et la repositionner n’est pas une difficulté.
Prix des supports en L
Pour les photographes à petit budget, les supports en L universels coûtent environ 15 à 25 dollars. Avec ceux-ci, vous devez repositionner le support d’un côté à l’autre pour utiliser l’écran articulé ou pour accéder aux compartiments de la batterie ou de la carte mémoire. Je suis bon avec ça.
Voici un exemple de support en L Really Right stuff conçu pour des modèles d’appareils photo spécifiques pour environ 150 $. La différence étant qu’il s’agit d’un support en L monobloc qui maintient l’accès à la batterie et à la porte du port. Mieux encore, il n’entrave pas le mouvement de l’écran LCD, entre autres fonctionnalités.
Support Really Right Stuff pour plusieurs boîtiers d’appareils photo Nikon. Ils permettent d’accéder à la fente pour carte mémoire et au compartiment de la batterie.
3 Legged Thing fabrique une multitude de supports en L spécialisés. Ceux-ci coûtent de 39 $ à environ 150 $ pour différents modèles d’appareils photo et différentes fonctionnalités.
Support en L à 3 pattes.
Emballer
Vous pouvez dépenser de 15 $ à plus de 200 $ pour les supports en L. Cela dépend du modèle de votre caméra et des fonctionnalités intégrées, telles que la possibilité de déplacer la caméra dans le support de haut en bas et d’un côté à l’autre. Vous devrez faire quelques recherches avant de commander votre support en L. Assurez-vous d’obtenir les attributs qui correspondent à votre budget et à votre tolérance. La principale différence est la commodité par rapport à la réinitialisation du support à l’aide des modèles universels.
Vous avez préparé votre sac pour la journée, vous avez chargé vos batteries, formaté vos cartes et dépoussiéré vos objectifs. Mais avez-vous oublié quelque chose ? Voici ce à quoi il est également important de penser pour une belle journée de tournage.
Chaussures
Vous souvenez-vous quand vous étiez enfant et que vous insistiez pour porter vos nouvelles chaussures ce jour-là en ville ? Et que tu l’as regretté au bout d’une heure ? Eh bien, vous êtes un adulte maintenant. Il est donc moins probable que vous fassiez la même erreur. Vous choisirez vos chaussures avec soin.
Il n’y a rien de pire que de devoir écourter une séance photo parce qu’on a mal aux pieds. Assurez-vous de porter des chaussures dans lesquelles vous vous sentez à l’aise et que vous connaissez bien, pas une paire que vous venez d’acheter. Habituellement, les chaussures de sport ne sont pas le meilleur choix pour un voyage en ville. Conçus pour sauter ou courir sur les courts, ils ne sont peut-être pas les plus adaptés pour piétiner dans les rues. Mais je peux me tromper, et vous connaissez vos pieds mieux que moi.
Idéalement, ceux que vous choisirez absorbent les chocs, sont faits de tissu respirant et sont imperméables. Une semelle en Vibram est aussi très appréciable.
Eau
Il peut sembler évident d’emporter de l’eau pour se promener dans la nature, mais cela peut aussi être rare en ville. Les magasins peuvent être fermés parce que vous avez oublié que c’est un jour férié. Les journées chaudes peuvent laisser les petits magasins vides ou trop éloignés de l’endroit où vous vous trouvez. Les vendeurs de rue sont parfois illégaux et vendent des bouteilles tièdes hors de prix. Et vous pourriez avoir un besoin urgent d’eau pour prendre des médicaments, même un simple analgésique. Une petite bouteille que vous glissez dans le sac peut vous sauver la mise !
Foulard
Ce n’est pas seulement une question de mode. Après tout, pourquoi ne pas être élégamment habillé lors de la création d’images ?
Une écharpe légère a plusieurs objectifs. Après deux heures de marche par une journée ensoleillée, vous entrez dans un musée ou un restaurant climatisé. L’air froid peut être dangereux. Une écharpe suffit parfois pour éviter d’avoir froid.
Dans certains environnements hostiles, vous voudrez peut-être être discret ou éviter d’attirer l’attention sur vous et votre équipement et cacher rapidement votre appareil photo. Glissez-le simplement sous votre écharpe.
Vous cherchez un endroit pour vous asseoir dans l’herbe? Ici, il sert de couche confortable et propre.
Une soudaine rafale de vent poussiéreux ? Nos caméras redoutent le sable et la poussière. Enroulez simplement votre écharpe autour de la vôtre.
Couvre-chef
Soleil, pluie ou neige ? Une casquette gardera votre tête au frais, au sec ou au chaud.
Évidemment, un parapluie, bien que très efficace, ne serait pas pratique. Comment fais-tu pour le tenir et ton appareil photo en même temps ?
Ne sous-estimez pas le soleil dur ou la chaleur que vous perdez par la tête. Pourquoi laisser vos oreilles geler et souffrir alors que c’est facile à prévenir ?
Imperméable
Si vous étiez assez confiant pour ne pas prendre de veste et que les conditions météo se sont détériorées, il est temps de dégainer votre arme ultime : le poncho.
Je suis d’accord que ça te fait ressembler à un parasol plié sur une plage déserte, mais c’est très efficace. De plus, il est léger et petit. Des versions jetables pas chères existent, faciles à glisser dans une poche ou un sac.
Cartes de visite
Il n’est pas nécessaire d’être un PDG, Patrick Bateman, ou un photographe célèbre pour porter vos propres cartes de visite élégantes.
Même à l’ère numérique, ils se sont avérés utiles pour rester en contact avec les personnes que vous rencontrez. Tout le monde n’est pas à l’aise avec les téléphones portables au point d’être assez rapide pour enregistrer un contact ou prendre des notes.
Ces cartes afficheront votre nom, votre moyen préféré d’être contacté (Viber, WhatsApp, etc.) et vos médias sociaux (Instagram, TikTok, etc.). Respectez la taille et la forme standard de votre région.
Apportez-en quelques-uns vierges : ils vous permettront d’écrire des notes, telles que la date, le lieu, l’heure de la prise de vue et les coordonnées de la personne à qui vous promettez d’envoyer une photo. De retour chez vous, lorsque vous copiez vos fichiers sur votre disque dur, assurez-vous de sortir ces cartes annotées de vos poches ou de votre portefeuille et de les ranger dans un porte-cartes fantaisie sur votre bureau.
Réflexions finales
Ces éléments peuvent faire la différence entre une journée de tournage horrible et une journée réussie. La plupart d’entre eux sont trop petits et bon marché pour ne pas les considérer.
Je sais que cela n’aide pas avec votre syndrome d’acquisition d’équipement. Mais, soyons honnêtes, vous n’avez jamais voulu le guérir, n’est-ce pas ?
Aussi, n’hésitez pas à ajouter vos propres articles dans les commentaires !
Cette semaine, je vais explorer MON style de signature – la photographie de nature morte sombre et maussade. C’était mon premier amour avec la nature morte et pour être honnête… ça l’est toujours. C’est ce pour quoi je suis connu et je finis généralement par enseigner dans mes Ateliers, comme cela est si souvent demandé.
Alors, soyons un peu sombres et maussades…
L’essence du sombre et de la mauvaise humeur se trouve dans les détails, mais aussi dans les ombres profondes et les couleurs saturées. Le plus souvent, j’ai tendance à ajouter une touche de rouge avec des bruns chocolat, mais les bleus et les jaunes fonctionnent bien aussi. Considérez vos arrière-plans, accessoires et accessoires… sombres, mats et texturés rehausseront la sensation de mauvaise humeur, pensez à des meubles en bois sombre ou à des toiles peintes comme arrière-plan. Personnellement, j’aime une bonne caisse en bois rustique.
Choisissez le sujet principal (ou héros) qui est peut-être plus clair en couleur et en ton et même légèrement réfléchissant… quelque chose qui peut se démarquer parmi l’obscurité, ou peut-être essayer une touche de couleur ?
Pensez brut, rustique, patiné, usé, organique et dramatique lorsque vous stylisez votre scène. Il n’est pas nécessaire qu’il soit campagnard ou rustique – il peut aussi être propre et moderne.
Lumière
La lumière est toujours importante et j’aime utiliser une source de lumière unilatérale. Je place généralement une table à côté d’une fenêtre pour un peu de soleil indirect et bloque/absorbe la lumière autour de la scène à l’aide d’un bloqueur de lumière noire ou d’un tissu sombre [see BTS image]. J’aime les ombres profondes et pas trop de lumière directe.
Si vous obtenez toujours trop de lumière, vous pouvez utiliser des panneaux de noyau en mousse noire supplémentaires pour bloquer la lumière jusqu’à un tout petit glissement.
Les textiles mats et organiques absorbent également la lumière et rehaussent les ombres. Expérimentez avec cela. Je pense que la magie opère lorsque votre sujet semble se détacher de l’arrière-plan. Vous trouverez peut-être que placer votre configuration juste au bord de la lumière latérale fonctionne très bien. Le tout est d’expérimenter.
Les paramètres de la caméra
Si vous photographiez avec un reflex numérique, essayez la mesure spot, votre appareil photo verra votre scène comme trop sombre et essaiera de rendre tout plus clair. Vous ne voulez pas éclairer votre scène, vous la voulez sombre. Vous devrez donc peut-être sous-exposer vos images pour obtenir le résultat souhaité, pas trop, essayez un ou deux arrêts sous-exposés. Vous devrez régler votre appareil photo en mode manuel pour y parvenir. Réglez votre ISO sur 100, car vous aurez probablement votre appareil photo sur un trépied de toute façon. Réglez votre f-stop souhaité – pour ce type d’image, je dirais un f/4.5 à f/5.6, puis sous-exposez légèrement votre image.
Le degré de sous-exposition dépend entièrement de vous. Vous pouvez devenir si sombre que vous pouvez à peine voir le sujet et juste les bords et les reflets (assez dramatiques), ou quelque chose d’un peu plus clair, mais avec une lumière plate et des ombres profondes.
POINTE: C’est là que la prise de vue en RAW plutôt qu’en JPEG est préférable, car cela laisse de la place pour sauver toutes les zones qui auraient pu être surexposées ou sous-exposées dans Lightroom ou Photoshop (ou similaire).
Expérience en post-traitement. Améliorer et approfondir les ombres et réduire les reflets. Jouez avec la saturation et le dynamisme. Ajoutez du contraste, rendez vos ombres profondes et faites ressortir n’importe quelle couleur !
Le défi …
En plus d’utiliser un fond sombre, expérimentez avec des caisses, des paniers, des placards ouverts ou le coin d’une fenêtre à l’ombre profonde… placez un sujet intéressant dans votre « espace » et faites un peu de magie sombre et maussade. Si vous vous sentez dépassé et que celui-ci peut être difficile à comprendre, commencez simplement, il vaut mieux avoir une idée de ce sujet que de le submerger. Une seule fleur, cupcake, poire ou pomme est préférable pour commencer et peut souvent être TRÈS efficace.
Toutes les images ont été photographiées à l’aide du Sony a7ii avec un objectif principal de 50 mm, ISO 400, f/3,5, 1/100 s.
Close-Up Photographer of the Year (CUPOTY) est l’un de ces concours que j’attends toujours avec impatience. Pour commencer la nouvelle année avec de nombreuses images inspirantes, le concours a partagé ses gagnants et ses finalistes, et ils sont absolument époustouflants. La photographe canadienne Samantha Stephens est la grande gagnante du concours de cette année, et son image saisissante […]
Le post Photo de salamandres consommées par une plante carnivore remporte le prix du photographe gros plan de l’année 2022 est apparu en premier sur DIY Photography.
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Dans cet article, nous discuterons de la règle des tiers en photographie, quand elle doit être brisée et ce qu’il faut garder à l’esprit pour le faire.
Plutôt un apprenant visuel ? Alors regardez la vidéo que j’ai faite sur ce sujet:
Qu’est-ce que la règle des tiers en photographie ?
La règle des tiers divise une image en neuf parties égales par deux lignes horizontales équidistantes et deux lignes verticales équidistantes. Les quatre points où ces lignes se croisent sont considérés comme les zones les plus importantes de l’image. Ce sont là que l’œil du spectateur est susceptible d’être attiré. En plaçant votre sujet à l’un de ces points, vous pouvez créer une composition plus équilibrée et plus esthétique.
Pourquoi s’appelle-t-elle la règle des tiers ?
Le nom vient du fait que les lignes divisent l’image en tiers. On pense que ce rapport est le plus proche de ce que nos yeux trouvent naturellement attrayant, ce qui donne à vos photos un aspect global plus agréable.
Est-ce vraiment une règle ?
Bien que cela s’appelle la « règle » des tiers, il n’est pas nécessaire de la suivre strictement tout le temps. Il arrive souvent que vous souhaitiez enfreindre la règle afin de créer une composition intéressante ou unique.
Quand faut-il enfreindre la règle des tiers en photographie ?
La règle des tiers n’est qu’une ligne directrice, pas une règle stricte. Dans certains cas, il peut être avantageux de briser la règle des tiers afin de créer une composition plus dynamique. Voici quelques situations où enfreindre cette règle peut être utile :
Lors de la création de symétrie : Les compositions symétriques sont souvent plus belles lorsque le sujet est placé au centre du cadre, car cela crée un équilibre agréable.
Lorsque vous créez une sensation de mouvement : le fait de placer votre sujet hors du centre peut aider à créer l’illusion de mouvement, car cela donne à l’œil du spectateur quelque chose vers quoi se diriger.
Lors de la création d’une composition unique : Briser la règle des tiers peut vous donner l’opportunité de créer une composition unique et inattendue.
Quand faut-il suivre la règle des tiers ?
La règle des tiers doit être suivie dans certaines situations, par exemple lorsque vous essayez de créer un portrait ou un paysage équilibré. Dans ces cas, il est préférable de s’en tenir à la règle éprouvée des tiers pour votre composition.
En termes simples, la règle des tiers est l’une des nombreuses techniques de composition photographique, donc ce n’est pas une question de quand ou de ne pas enfreindre la « règle », mais quelle technique de composition serait la meilleure à utiliser étant donné le cadre devant vous et le histoire que vous voulez raconter avec votre image.
placer le soleil sur le point d’intersection en bas à gauche
Que faut-il garder à l’esprit lorsque l’on enfreint cette règle ?
Lorsque vous enfreignez la règle des tiers, il est important de prendre en compte d’autres éléments de composition tels que l’équilibre, les lignes directrices et l’espace négatif. Cela aidera à garantir que votre image finale est harmonieuse et visuellement agréable. De plus, si vous choisissez de placer votre sujet au centre du cadre, assurez-vous qu’il y a suffisamment d’espace autour de lui pour qu’il ne paraisse pas à l’étroit ou trop encombré.
En conclusion, dans votre parcours d’apprentissage de la photographie, vous rencontrerez à un moment donné la règle des tiers. La règle des tiers en photographie est une ligne directrice utile pour créer des compositions équilibrées avec des éléments visuels agréables. Cependant, il existe certains cas où enfreindre cette règle peut être bénéfique afin de créer une image unique ou dynamique. Il est important de prendre en compte d’autres éléments de composition lorsque vous enfreignez la règle, et assurez-vous également qu’il y a suffisamment d’espace négatif autour de votre sujet pour qu’il ne paraisse pas trop encombré. Avec un peu de pratique et d’expérimentation, vous pouvez apprendre à utiliser la règle des tiers pour créer de belles photos.
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