Cette semaine, je vais explorer MON style de signature – la photographie de nature morte sombre et maussade. C’était mon premier amour avec la nature morte et pour être honnête… ça l’est toujours. C’est ce pour quoi je suis connu et je finis généralement par enseigner dans mes Ateliers, comme cela est si souvent demandé.

Alors, soyons un peu sombres et maussades…

L’essence du sombre et de la mauvaise humeur se trouve dans les détails, mais aussi dans les ombres profondes et les couleurs saturées. Le plus souvent, j’ai tendance à ajouter une touche de rouge avec des bruns chocolat, mais les bleus et les jaunes fonctionnent bien aussi. Considérez vos arrière-plans, accessoires et accessoires… sombres, mats et texturés rehausseront la sensation de mauvaise humeur, pensez à des meubles en bois sombre ou à des toiles peintes comme arrière-plan. Personnellement, j’aime une bonne caisse en bois rustique.

Choisissez le sujet principal (ou héros) qui est peut-être plus clair en couleur et en ton et même légèrement réfléchissant… quelque chose qui peut se démarquer parmi l’obscurité, ou peut-être essayer une touche de couleur ?

Pensez brut, rustique, patiné, usé, organique et dramatique lorsque vous stylisez votre scène. Il n’est pas nécessaire qu’il soit campagnard ou rustique – il peut aussi être propre et moderne.

Lumière

La lumière est toujours importante et j’aime utiliser une source de lumière unilatérale. Je place généralement une table à côté d’une fenêtre pour un peu de soleil indirect et bloque/absorbe la lumière autour de la scène à l’aide d’un bloqueur de lumière noire ou d’un tissu sombre [see BTS image]. J’aime les ombres profondes et pas trop de lumière directe.

Si vous obtenez toujours trop de lumière, vous pouvez utiliser des panneaux de noyau en mousse noire supplémentaires pour bloquer la lumière jusqu’à un tout petit glissement.

Les textiles mats et organiques absorbent également la lumière et rehaussent les ombres. Expérimentez avec cela. Je pense que la magie opère lorsque votre sujet semble se détacher de l’arrière-plan. Vous trouverez peut-être que placer votre configuration juste au bord de la lumière latérale fonctionne très bien. Le tout est d’expérimenter.

Les paramètres de la caméra

Si vous photographiez avec un reflex numérique, essayez la mesure spot, votre appareil photo verra votre scène comme trop sombre et essaiera de rendre tout plus clair. Vous ne voulez pas éclairer votre scène, vous la voulez sombre. Vous devrez donc peut-être sous-exposer vos images pour obtenir le résultat souhaité, pas trop, essayez un ou deux arrêts sous-exposés. Vous devrez régler votre appareil photo en mode manuel pour y parvenir. Réglez votre ISO sur 100, car vous aurez probablement votre appareil photo sur un trépied de toute façon. Réglez votre f-stop souhaité – pour ce type d’image, je dirais un f/4.5 à f/5.6, puis sous-exposez légèrement votre image.

Le degré de sous-exposition dépend entièrement de vous. Vous pouvez devenir si sombre que vous pouvez à peine voir le sujet et juste les bords et les reflets (assez dramatiques), ou quelque chose d’un peu plus clair, mais avec une lumière plate et des ombres profondes.

POINTE: C’est là que la prise de vue en RAW plutôt qu’en JPEG est préférable, car cela laisse de la place pour sauver toutes les zones qui auraient pu être surexposées ou sous-exposées dans Lightroom ou Photoshop (ou similaire).

Expérience en post-traitement. Améliorer et approfondir les ombres et réduire les reflets. Jouez avec la saturation et le dynamisme. Ajoutez du contraste, rendez vos ombres profondes et faites ressortir n’importe quelle couleur !

Le défi …

En plus d’utiliser un fond sombre, expérimentez avec des caisses, des paniers, des placards ouverts ou le coin d’une fenêtre à l’ombre profonde… placez un sujet intéressant dans votre « espace » et faites un peu de magie sombre et maussade. Si vous vous sentez dépassé et que celui-ci peut être difficile à comprendre, commencez simplement, il vaut mieux avoir une idée de ce sujet que de le submerger. Une seule fleur, cupcake, poire ou pomme est préférable pour commencer et peut souvent être TRÈS efficace.

Toutes les images ont été photographiées à l’aide du Sony a7ii avec un objectif principal de 50 mm, ISO 400, f/3,5, 1/100 s.

Dans cet article, nous discuterons de la règle des tiers en photographie, quand elle doit être brisée et ce qu’il faut garder à l’esprit pour le faire.

Plutôt un apprenant visuel ? Alors regardez la vidéo que j’ai faite sur ce sujet:

Qu’est-ce que la règle des tiers en photographie ?

La règle des tiers divise une image en neuf parties égales par deux lignes horizontales équidistantes et deux lignes verticales équidistantes. Les quatre points où ces lignes se croisent sont considérés comme les zones les plus importantes de l’image. Ce sont là que l’œil du spectateur est susceptible d’être attiré. En plaçant votre sujet à l’un de ces points, vous pouvez créer une composition plus équilibrée et plus esthétique.

Pourquoi s’appelle-t-elle la règle des tiers ?

Le nom vient du fait que les lignes divisent l’image en tiers. On pense que ce rapport est le plus proche de ce que nos yeux trouvent naturellement attrayant, ce qui donne à vos photos un aspect global plus agréable.

Est-ce vraiment une règle ?

Bien que cela s’appelle la « règle » des tiers, il n’est pas nécessaire de la suivre strictement tout le temps. Il arrive souvent que vous souhaitiez enfreindre la règle afin de créer une composition intéressante ou unique.

Quand faut-il enfreindre la règle des tiers en photographie ?

La règle des tiers n’est qu’une ligne directrice, pas une règle stricte. Dans certains cas, il peut être avantageux de briser la règle des tiers afin de créer une composition plus dynamique. Voici quelques situations où enfreindre cette règle peut être utile :

• Lors de la création de symétrie : Les compositions symétriques sont souvent plus belles lorsque le sujet est placé au centre du cadre, car cela crée un équilibre agréable.
• Lorsque vous créez une sensation de mouvement : le fait de placer votre sujet hors du centre peut aider à créer l’illusion de mouvement, car cela donne à l’œil du spectateur quelque chose vers quoi se diriger.
• Lors de la création d’une composition unique : Briser la règle des tiers peut vous donner l’opportunité de créer une composition unique et inattendue.

Quand faut-il suivre la règle des tiers ?

La règle des tiers doit être suivie dans certaines situations, par exemple lorsque vous essayez de créer un portrait ou un paysage équilibré. Dans ces cas, il est préférable de s’en tenir à la règle éprouvée des tiers pour votre composition.

En termes simples, la règle des tiers est l’une des nombreuses techniques de composition photographique, donc ce n’est pas une question de quand ou de ne pas enfreindre la « règle », mais quelle technique de composition serait la meilleure à utiliser étant donné le cadre devant vous et le histoire que vous voulez raconter avec votre image.

Que faut-il garder à l’esprit lorsque l’on enfreint cette règle ?

Lorsque vous enfreignez la règle des tiers, il est important de prendre en compte d’autres éléments de composition tels que l’équilibre, les lignes directrices et l’espace négatif. Cela aidera à garantir que votre image finale est harmonieuse et visuellement agréable. De plus, si vous choisissez de placer votre sujet au centre du cadre, assurez-vous qu’il y a suffisamment d’espace autour de lui pour qu’il ne paraisse pas à l’étroit ou trop encombré.

En conclusion, dans votre parcours d’apprentissage de la photographie, vous rencontrerez à un moment donné la règle des tiers. La règle des tiers en photographie est une ligne directrice utile pour créer des compositions équilibrées avec des éléments visuels agréables. Cependant, il existe certains cas où enfreindre cette règle peut être bénéfique afin de créer une image unique ou dynamique. Il est important de prendre en compte d’autres éléments de composition lorsque vous enfreignez la règle, et assurez-vous également qu’il y a suffisamment d’espace négatif autour de votre sujet pour qu’il ne paraisse pas trop encombré. Avec un peu de pratique et d’expérimentation, vous pouvez apprendre à utiliser la règle des tiers pour créer de belles photos.

Il y a plusieurs années, lors d’une randonnée en raquettes en décembre à St-Donat-de-Montcalm, Québec, Canada, je cherchais des images d’hiver sur le sentier Mesangeai. J’apprécie vraiment mon équipement M43 pour sa légèreté et sa portabilité. Emportant uniquement mon objectif 24 à 200 mm (eq 35 mm), je n’ai pas besoin de changer d’objectif par temps froid. J’espérais avoir une vue sur les environs depuis le sommet de la montagne, et vers la fin du sentier, j’ai trouvé un paysage à couper le souffle. J’ai été attiré par la texture des arbres enneigés au premier plan et des montagnes en arrière-plan. Les formations nuageuses complexes ajoutent un joli contraste.

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Dimitri Vasileiou • Éditeur

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Les LED sont des lumières de vacances qui sont un peu différentes à photographier de l’ancien type d’éclairage.

Il n’y a rien de tel que d’utiliser des lumières de Noël pour créer l’ambiance d’une photo. Lorsque vous voyez ces petites lumières scintiller sur une photo, vous savez immédiatement quelle période de l’année il est. Cela apporte immédiatement beaucoup de sentiments chaleureux à la photo.

Cependant, au cours de la dernière décennie, les LED ont remplacé les lampes au tungstène comme principal type de lumière que vous verrez orner les maisons et les arbres. Ces lampes durent plus longtemps et consomment moins d’énergie que les lampes traditionnelles. Mais, ils ont un inconvénient majeur.

Laissez-moi vous montrer comment vaincre le problème de la photographie des LED, c’est simple.

Pourquoi la moitié des lumières LED sont-elles éteintes sur mes photos ?

Vous verrez que lorsque vous faites des photos de LED avec une vitesse d’obturation rapide, de nombreuses lumières semblent sombres et l’image a deux fois moins de lumière que lorsque vous la regardez en direct. Ou vous pouvez même voir une barre sombre qui se déplace sur l’image si vous utilisez Live View ou un appareil photo sans miroir.

C’est le même problème, et c’est un problème qui remonte à Tesla et Edison. En bref, l’alimentation sortant de votre prise murale s’allume et s’éteint 50 ou 60 fois par seconde et votre caméra enregistre les moments où certaines lumières sont éteintes.

Jetez un coup d’oeil à ces images. Ceux-ci utilisaient tous une vitesse d’obturation de 1/100e de seconde, ce qui n’est vraiment pas si rapide. Mais, c’est assez rapide pour que l’éclairage change entre chaque prise de vue, montrant même que l’ampoule sur laquelle j’étais concentré s’éteint.

Comment photographier toutes les LED lorsqu’elles sont allumées en même temps ?

La façon de battre cela est simple. Il vous suffit de photographier à une vitesse d’obturation plus lente pour enregistrer toutes les lumières allumées à un moment donné de votre photo. Si vous êtes aux États-Unis ou dans un autre pays qui utilise environ 110 volts AC 60 Hertz, vous devez photographier à 1/60e de seconde ou moins. Si vous êtes en Chine ou dans un autre pays qui utilise une alimentation 220 volts AC 50 Hertz, vous devez tirer à 1/50e de seconde ou moins.

Je suis aux États-Unis, donc utiliser 1/60e de seconde donne de très bons résultats. Mais, les lumières semblent encore plus égalisées si je tire un peu plus lentement, comme 1/30e de seconde. À une vitesse un peu plus lente, les lumières s’allument toutes au moins une fois et brillent un peu plus fort sur l’image. Ces trois images ont toutes été prises consécutivement. Vous pouvez voir qu’ils sont tous à peu près de la même luminosité.

Qu’est ce que cela signifie pour moi?

L’utilisation d’une vitesse d’obturation plus lente et l’activation et la visibilité de plus de lumières dans votre image est une bonne chose car cela rend la luminosité globale de l’image plus lumineuse. Cela rend le décor plus éclatant et montre l’ambiance qui ne peut être enregistrée que pendant les vacances. L’inconvénient est que vous utilisez maintenant une vitesse d’obturation plus lente. Cela signifie que vous êtes plus susceptible de faire des photos floues.

Prenez soin de vous et restez immobile en espérant que le vent ne souffle pas. Si vous photographiez des personnes, vous pouvez les entraîner à examiner un membre ou un ornement spécifique. Quand on donne aux gens une chose précise à faire, ils ont tendance à tenir encore mieux.

Enfin, considérez ce qui est le plus important, toutes les lumières allumées ou une photo nette sans flou. Si vous voulez de la netteté, utilisez une vitesse d’obturation plus rapide et acceptez que certaines lumières ne soient pas éclairées dans votre image. Si les lumières font partie intégrante de votre photo, ralentissez-les et stabilisez l’appareil photo et votre sujet.

Ces lumières LED sont des outils formidables pour créer une ambiance de vacances, et maintenant vous êtes prêt à aller les photographier.

Bienvenue dans Shutter Notes, notre fonctionnalité communautaire hebdomadaire. Shutter Notes vous donne la chance de mieux connaître les membres de notre communauté. Chaque membre partagera un peu sur lui-même et sur l’image qu’il a choisie.

Hazel Meredith prend des photos depuis qu’elle est jeune, mais a vraiment commencé à développer un style et une concentration au début des années 2000 lorsqu’elle a rejoint un club photo. Elle aime photographier de nombreux sujets, notamment des paysages, des fleurs et de la macro, ainsi que de vieilles granges, des bâtiments, des voitures et des camions, dont il y en a beaucoup dans le nord-est du Tennessee, où elle a déménagé il y a trois ans. Hazel aime aussi enseigner et se spécialise dans les techniques de post-traitement créatif avec des textures et des logiciels.

Pourquoi et comment Hazel a créé cette image

Les jardins commençaient à pâlir, mais la lumière était merveilleuse. Hazel a attrapé ce cosmos tôt le matin avec quelques gouttes de rosée encore accrochées. Elle aime la mauvaise humeur qu’elle a créée avec son post-traitement.

Les fleurs sont l’un des sujets que Hazel aime photographier. Elle aime donner à ses images une « ambiance » ou un « look » avec un post-traitement pour en faire quelque chose de spécial. Pour cette image, elle a ajouté l’une de ses textures bokeh, puis a utilisé Dynamic Auto Painter pour lui donner un aspect pictural et ajouter des détails à la fleur. Elle a récemment commencé à expérimenter Dynamic Auto Painter et a trouvé des effets qu’elle aime vraiment. Hazel dit toujours aux autres d’expérimenter leurs images et de créer quelque chose qui leur est propre.

Mettez votre photo en vedette!

Veuillez nous rejoindre dans la communauté (Site service photographie aérienne) et trouver la description complète et les instructions sur la façon de soumettre votre image pour examen ici.

Veuillez ne soumettre qu’une seule image à la fois et pour l’instant une seule soumission par personne. Nous en demanderons plus ultérieurement si nous en avons besoin. Si vous avez des questions, commentez ici ou envoyez-moi un message au sein de la communauté. Nous attendons vos soumissions avec impatience.

Si vous connaissez des amis photographes qui aimeraient ou bénéficieraient d’être dans la communauté (Site service photographie aérienne), n’hésitez pas à les inviter !

Par personnel

Publié le 9 décembre 2022